時裝秀一向有著“不就是一群穿著奇裝異服的人在臺上走來走去”的名聲。每每看到在時裝秀上，模特們穿著設計“奇葩”的衣服一本正經地走貓步時，我們難免會想，這麼不切實際的衣物設計出來到底是幹什麼用的？到底想不想讓人穿啊？今天就來説説，這些奇裝異服的存在又到底是怎麼回事？

　　從“時裝玩偶”開始

　　説起時裝秀，不得不説一座城市——巴黎。1391年， 法國王后伊莎貝拉用木材和黏土製成真人大小的人體模型，穿上新穎的宮廷服裝，作為禮物贈送給英國王后安妮。這種玩偶當時被稱為“時裝玩偶”，它與今天陳列在時裝店的人體模型已經十分相似了。

　　此後的400多年間，“時裝玩偶”在歐洲盛行並逐漸成為禮儀風俗，不少國家的上層人士以模倣法國宮廷的衣著打扮為“時髦”。服裝設計師也會將穿著自己設計的衣服的玩偶模特送給客戶，以推銷自己的服裝。19世紀在美國和英國還先後舉辦了玩偶時裝展，令人耳目一新，被認為是現代時裝表演的前身。

　　19世紀40年代，“高級時裝之父”查爾斯·沃斯沃斯在巴黎一家銷售羊絨披巾、大衣及裝飾品的商店裏工作。他把模特從玩偶換成了真人，收到了良好的推銷效果。

　　以時裝表演的形式來促銷時裝很快被業內認可，成為時裝設計師向客戶展示最新款式客戶的最好方式。當時，模特表演僅是穿上時裝，在客戶面前即興地走走停停，讓客戶看清楚時裝的布料和花色而已，並沒有什麼走臺的標準。

　　1900 年， 巴黎時裝協會主席帕奎夫人在巴黎召開龐大的時裝展示會，將當時模特展示的場地從平地移到了舞臺上，為正規化時裝表演開了先河。

　　幾年後，在美國開展的一次大規模時裝表演中，大廳中搭起了一個大型平臺，一直延伸到觀眾面前。這種伸展臺實際上就是T形臺，它可以使模特有時間和空間展示起貓步，也讓觀眾能較長時間更細緻地看到服裝的款式結構、色彩搭配和布料質地等。這種獨具匠心的創舉一直被沿用至今。

　　所以，現在頻繁看到的“出乎意料”的服裝設計，也不是近來才有的。那些頗具創新思維和藝術性的設計風格在上世紀30年代就有了，如打破藝術與時裝隔墻的超現實主義服裝設計。

　　二戰後，各種藝術風格應運而生，如野獸派、未來派、立體派、抽象派等，時裝越來越紛繁複雜，使得戰前曾經驚世駭俗的超現實主義女裝變得平庸無奇。到了80年代中期，時裝發展的腳步放慢，開始重新追溯歷史，重拾昔日曾帶動時尚潮流的各種藝術風格。超現實主義藝術又在此時復興。

　　造型越來越荒謬

　　最近這些年，時裝表演進入多元化發展時期，秀場上出現了越來越多讓人捉摸不透的藝術性設計，實用性幾乎為零。

　　那是因為時裝秀不再像剛開始那樣只是單純地行銷服裝，更多的是偏向藝術上的審美和創新，而不是體現實用性功能。從這一點上看，模特身上穿的東西和展覽裏的藝術品意義差不多。

　　雖然設計師並不指望有誰會花錢買下自己設計的這些奇裝異服，但是展出這些服裝是要花不少錢的——平均一場時裝秀要花費大約4萬美元。這些時裝秀的作用在於宣傳自身品牌，以及讓別人了解設計師的風格，甚至碰撞出藝術的火花或者更多的設計靈感。

　　每個季度展出的時裝系列都會有特定的主題，航海風、鄉村風、維多利亞風……當時裝秀結束以後，這些東西會被時尚界人士轉化成能穿的款式，在成衣店或商場裏售賣。T形臺上那些服裝的顏色、布料和設計風格會被保留，但那些怪異的特點，比如走秀的模特頭上戴著的一個手提包會被去掉。

　　當然，這些不實用的服裝還是會等到第一個吃螃蟹的人的，那就是明星或者巨富，他們偶爾會穿著設計誇張的服裝出現在公眾面前。

　　基於這些服裝的不實用性，零售商們也不會著重看模特身上穿的東西有沒有銷售的前景，他們更關心哪場時裝秀贏得了媒體和觀眾的關注，以及這場時裝秀背後的設計師是誰。

　　就算某個時裝秀上的服裝款式真是“雷死人不償命”，時尚媒體也不會發表針對這個設計師的不好言論——品牌都是各時尚雜誌的“大金主”，沒人想惹這個麻煩。這樣一來，設計師在盡情施展自己的才華進行藝術創作的時候，還會有什麼顧忌呢？於是，越來越多瘋狂的設計出現在時裝秀上。

　　再説了，在時裝週期間，看時裝秀的時尚界人士一天看七八場時裝秀是正常的事。如果場場時裝秀都展示正常實用的衣服，看兩天就看吐了，這個時候你就會覺得給模特頭上戴個水桶的設計師多麼惹人愛了。在時裝秀上，那幾個響噹噹的大品牌不來點兒大眾眼中的不和諧配色、圖案和風格，時尚界人士都覺得這場秀沒意思。

　　（據《壹讀》）