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藝術中國：在你的作品中總有很多耐人尋味的細節，滴血的刀叉，噴火的眼睛、隱身的馬匹，帶有很多超現實感覺，您是怎麼設想這些細節的？
韋嘉：其實我現在還是覺得，我的創作，你剛才談到的這個問題，尤其是一些細節問題，我怎麼樣來選取它，怎麼樣來選擇它，我覺得更多的靠的是一種直覺。我可以在大的一個方法論的支援下，要想，我想要什麼樣的畫面，我想傳遞一個什麼樣的畫面感覺。但是我覺得，從思考的角度上來講，僅此而已。我靠什麼東西來填充它的畫面，我要的東西是一個虛的東西，我怎麼樣通過繪畫語言，實實在在地通過顏料的堆積，把它變成一個實物的東西，在這樣的情況下，很多時候我真的是靠一種直覺，包括一些細節的選擇。當然，也不是説所有的東西都是出於這樣的一種感覺的東西，比如剛才我説的那種寫日記的東西，它的出現相對來講是一個小的符號，這個符號，我的感覺是一個成長的代價。我們每個人在成長中間，都會付出這樣或者那樣的代價，伴隨著你的成長，其實就是在不斷受傷、癒合，受傷癒合的過程中不斷成熟起來，甚至變得比較強大。
藝術中國：在你的作品中幾乎總有一個赤裸的男孩，你創作他的初衷是什麼？是你自己內心的一種映像？還是一種標誌性的符號？
韋嘉：不算一個符號，其實我也畫過一些穿衣服的，但是我覺得，我沒有刻意地去放大它到底是穿衣服還是裸體，這個概念對於我來講不是特別的重要，我是根據我自己畫面的需要來做的。常常有時候我覺得這樣一個畫面，畫了一個穿衣服的，這個衣服怎麼我都覺得彆扭，要麼乾脆就畫成裸體的。而且我嘗試在這樣一個心態下，如果真是赤裸裸的，處在一個不確定的環境當中，我們的心態是否會發生變化，我們在穿衣服和不穿衣服的時候，思想和情感的狀態是不一樣的，我們一下子就覺得沒有保護了。比如我畫的夜行服，通過很簡單的元素來説一個我們對未知的東西買這個保險，我們對不確定的未來，或者未知的可能存在的危機感，我們來提前做一些準備。但是到底這個準備真的有沒有用，我不知道。我想我畫面探討的其實是這樣一個問題。
我覺得還是有依據的，其實我通過繪畫這種方式來尋找那個未知的自我，通過那個未知的自我，因為這個自我的存在肯定是有共性依據的，我不可能在這樣一個社會條件下，我這樣一個成長背景，其實所謂的個體不是純粹的一個個體，你在不經意中間，不管你願意不願意，是否樂意，你其實就是一個社會人，你不能做到一個特別單純的個體，我在追尋這樣一個未知的自我的個體的情緒裏，可能它帶給我的有一些對於我們共性的一些思考，和我的一些體驗。
藝術中國：你現在的風格已經非常個性化成熟化，你認為你今後的藝術風格還可能有大的改變嗎？
韋嘉：變化肯定是有的，但是我覺得，可能不會變得完全不維嘉…了，可能還是一個脈絡，但是想像的是我應該更加放鬆，所謂的放鬆不是簡單的技術語言的放鬆，或者更加具備單純的書寫性，不是這麼回事，我覺得從情緒，從思考點，一直到做的過程中間，繪畫的呈現，我希望都能夠更加地放鬆一些。因為至少作為我自己來講，在這樣一個過程中間，我更能夠體會到一種繪畫的敏感，我希望能夠體會到這個，而且我希望它具備足夠的挑戰性，我不願意，我特別害怕重復，我覺得繪畫的樂趣恰恰在於，你在未知的體驗中間，帶給你的未知感。比如説我腦子想要一個圖示，一個東西，但是我畫的過程中肯定是有變化的，和我腦子裏最初的圖像是有距離的，但是這個距離不一定是壞事情的，沒準這個距離感帶給我新的體會，我能夠抓住這個點，繼續往下走，沒準就得到特別不出乎意料的，特別意外的更加讓我滿足的結果。所以繪畫的樂趣在於這個過程。我最近來之前，剛畫了一張小畫，這個小畫所有的過程中間都很痛苦，每天畫完都覺得不是我想要的，不順，老覺得我畫得不夠順。但是最後，我覺得我把我所能做的，所能在上面投入的努力和嘗試都做到了，都做夠了，沒有辦法再畫的時候，我説那就把它結束了。在結束的一剎那，或者隔天再看的時候，我覺得這個畫其實還行。我在經歷了自己很痛苦的自我否定和自我改造的過程中間，我覺得最後還是認可它了，這種情緒上的轉變，是很幸福的一件事情。
藝術中國：做為70後畫家的代表人物，你認為同過去藝術家相比，70年代的畫家是不是更喜歡沉浸在自我營造的世界裏？
韋嘉：我這樣覺得，我們這一代人，從客觀上來講，這一代人大多以獨生子女的形式來出現，我們從一開始，從小長大的軌跡中間，我們就是不斷地被長輩們包圍著，而我們身邊沒有弟弟妹妹或者哥哥姐姐，我們其實是很孤獨地成長的。所以我覺得，就顯得我們這一代人那麼自我，那麼從挖掘自我來出發自己，他是沒有辦法的，你只能這樣，你從小就自己跟自己玩，你的對話就是自己跟自己對話，你關注的東西肯定是從自我的感受來出發的，所以我覺得，我們這一代人可能真的很共性的一些表現特徵，就是不斷的放大自我，把自我對於生存，對於社會的一種感受放大了。
我們這一代人其實很多是自己在給自己找的問題，他不是説一個社會或者強加給你的，他是自己在跟自己過不去，其實這麼講，人不管你在什麼樣的狀態下、什麼樣的社會背景下生存，這種憂慮、這種茫然若失、這種情緒是肯定的，伴隨著你成長，你在不斷的成熟中間，你在不斷走向衰老的中間，不管你在大的社會條件這樣的東西都會出現。這種落差我覺得會有的，我們所謂的高度物質文明其實是表面的假像，在我們所謂的一個那麼現代化的城市裏，能夠看到一些最好的就是代表商業精英化、或者及其落後的東西，融合在一塊，本身這種落差很奇特的，它就是一個非常奇怪的，這個只能在中國可以看出來，我們這些藝術家在這樣的狀況下生存，這種體驗是肯定會帶給我們創作動機，帶給我們的思考，這中間會有很大的落差。
藝術中國：前些年美術界對於繪畫的文學性一直有爭論，你怎麼看這一問題？
韋嘉：反正我自己覺得這種敘述性的東西，其實在作品裏已消退掉，因為在文學作品裏邊它能夠很好的東西，你為什麼通過形象的語言來做它呢？形象語言做畢竟有轉換和解讀的問題，他解讀可能沒有文字表達那麼充備，恰恰在解讀的不確定性，就是每個觀眾來看，可能他有感覺，但是他的感覺從很大的程度來講，和你藝術家是不一樣的，他恰恰有意思的地方就是這兒，他的觸動是不一樣的，如果每個人來看，那就不好玩了，你可以以每個方式替代，你的藝術的存在，它就失去了它一個最有效的根基了，我認為會通過一些觀眾來完成你這些想法，就是你只是給他一個東西，你要吸取一些感覺，當然能感動他，能讓他發生自我的聯想和思考，但具體的思考和想像是否跟你的藝術家想像的一致這不重要。
我還是比較看好，我認為繪畫它並沒有衰退的可能性，前些年説的繪畫的死亡，我自己是不贊同的，僅僅從一種形式上來説使得煥發新的生命確實很困難，但是一些人通過他們的思考和完善，沒準會發生一些變化，其實我們説的事不一定是一件新事，但是我們用現代人的解讀方法來解讀它，再來呈現它，在呈現的過程，它可能跟傳統的，跟熟悉的那些，跟我們看的很膩的，沒有意思的東西我認為會拉開視覺的距離，所以從大的寫實繪畫來看是有機會的，事實上看西方最近幾年從傳統的平面繪畫，所謂復興在西方很多的畫家身上都可以看到，而且你確實有同感，我看到的這些畫和以前的畫確實不一樣，我認為他們的轉變可以給我們提供一個良好的參考和價值的標準。
藝術中國：你目前在年輕畫家裏享有盛名，同時也受到市場的巨大追捧，你認為這種名與利的誘惑對自己的藝術發展會有消極的影響嗎？
韋嘉：我認為這個提法是對的，其實一直在給我自己講這個問題，就是説我不怕在這中間迷失掉，至少我對自己的認識能夠保持一個相對清醒的頭腦，對我的設計和認識，就是我知道我想要的東西是什麼，但是我認為這種東西肯定對我的心態會有影響，這是肯定的，沒有辦法否認，我認為現在找我談的人很多，我認為很煩，其實我不願意跟很多人談，你談的越多，其實意味著中間的百分比毫無意義，花了很多的時間去談一些毫無意義，我並不是關心事，對我是有影響，對我的正常的創造的心態的延續是有影響，而且説是我很怕，我經常在想像你受到這種追捧，或者得到的肯定不管是市場上的或者業內的，我認為這個東西沒有徹底的保險，也許市場的環境不好，可能他就不來追捧你了，我就想如果真的到了那一天的時候，對我有變化，我希望通過這樣的思考來使我的心態更加的平和，即便那天到來的時候，我依然能夠堅持我自己想做的。
我覺得是，儘管我覺得市場現在一兩年看是不錯，所以我也認為從很大的程度上講它是假像，最後能走到最後的我認為是堅持自己的道路、堅持自己的獨立思考和個人情懷的東西他才可能走到最後。
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