Elmgreen & Dragset, “Overheated”, Massimo De Carlo Gallery, Hong Kong, 2019 Rendering by Studio Elmgreen & Dragset
展覽地點：Massimo De Carlo, Hong Kong｜香港中環畢打街12號畢打行三樓
展覽時間：2019.03.26-04.28
開放時間：星期一至六, 10:30am – 7.00pm
開幕酒會: 星期一, 25.03.2019, 6.00pm – 8.00pm
艾默格林 & 德拉塞特的個展 "Overheated" 將在Massimo De Carlo香港畫廊的三樓改造成一個不一樣的佈置：一個廢棄的地下鍋爐房。艾默格林 & 德拉塞特延續他們把藝術空間改造成其他環境的做法，這二人組藝術家又一次將白色立方體變成了一個藝術觀眾不常到的地方。不同尺寸和顏色的工業管道縱橫交錯于整個空間，透過在場內行走時要跨越、彎身或繞行于那些大管道，重新引導觀眾的路徑。此裝置的特性使觀眾了解到其身體處於建築間與建築之關係。
在美學上，該裝置借鑒了 Michael Asher和Charlotte Posenenske 等藝術家早期的簡約主義和概念性的作品，並令人想起巴黎龐比杜藝術中心的外露結構。金屬管以工業風格的鉚釘連接 - 看起來像是穿透地面、墻壁和重力柱，創造出既帶有某種功能性，亦好像超越了畫廊本身空間的幻覺。該裝置突顯了原本已懸挂和外露于畫廊天花板的通風系統，與艾默格林 & 德拉塞特的其他作品一樣，它展示出通常不被注意的東西。就像在排水和供暖系統中不為人注意的工人- 這些勞動力對大多數人來説都是看不見的，但對我們的日常生活至關重要。藝術世界也是依賴於龐大而常被忽略的勞動力才能運作的。
Elmgreen & Dragset, “Overheated”, Massimo De Carlo Gallery, Hong Kong, 2019 Rendering by Studio Elmgreen & Dragset
在這個龐大的裝置中，我們還能體驗到艾默格林 & 德拉塞特的其他雕塑作品中，模棱兩可地描述人類活動痕跡的意味：觀眾可以想像這些作品與過去看守者，或有關某人一直以這個廢棄空間用作臨時居所的聯繫。其中的作品包括一件將廢棄的黑色汽車座椅鑄入青銅，以及把以大理石造成的燒焦蠟燭雕刻置於銅鑄的小木箱上用作桌椅。乍眼看，這些作品看起來只是簡單的現成品，實際上它們都是精心製作的雕塑。在空間的一個角落裏，擺放著一堆金屬和手繪的秋葉，喻意逝去的時光。
"Overheated" 以香港作為背景，一個曾被視為世界主要製造業中心，現在以環球知名金融中心和藝術市場樞鈕更廣為人知之地。香港製造業已經轉移到其他地方一樣，且與許多人的日常現實續漸疏離。連「鍋爐房」這個術語的含義也發生了很大變化：它最初是指用於住宅樓、工廠或船隻的鍋爐及與加熱相關的設備，到現在更常見的是應用於夜總會和有DJ設施的活動或者水療設施場所，或者用作從事高壓詐騙電話的辦公室 - 當中不涉及任何工業機械或體力勞動。同樣，在過去的幾十年裏，廢棄的工廠或建築物被活化為時尚的餐館、商店、閣樓或藝術家工作室。在往昔和現今相互動之下，"Overheated" 聚焦於人類近來歷史中的文化流動力。
Elmgreen & Dragset
Photo by: Elmar Vestner
艾默格林 & 德拉塞
邁克爾·艾默格林（生於1961年，丹麥）和 英格·德拉塞特（生於1969年，挪威）居於柏林，自1995年以來一直以二人組方式合作創作。 Elmgreen & Dragset 被任命為第15屆伊斯坦布爾雙年展（2017年）的策展人。他們在第53屆威尼斯雙年展（2009年）的丹麥和北歐館收藏家獲得特別獎，並在柏林漢堡火車站獲得了著名的Prege。
Elmgreen & Dragset I must make amends, 2018 Bronze, patina 80 x 90 x 5 cm
Photo by: Elmar Vestner
Elmgreen & Dragset專訪
Q：雕塑在你們的作品中是一個非常重要的元素，從洛克菲勒中心《梵谷的耳朵》到旗幟藝術基金會的《副作用》。在你的實踐中你是如何考慮雕塑的？
A：雕塑的實踐自我們開始合作就一直伴隨著我們。這起始於在哥本哈很北部的劉易斯安納美術館展出的《跳水板》。我們讓木板穿透面朝大海的美術館的全景窗口。這件作品明確了我們之後的創作主題。內部與外部的劃分，遊戲與互動的局限，現成的元素和雕塑材料的結合，以及酷兒的相關問題。跳水板是大衛·霍克尼的《水花四濺》（A Bigger Splash）的一種沮喪的三維版本，如果你接受這個説法的話。按照這個説法，你也可以認為《副作用》是與後艾滋危機（Post AIDS crises）的問題有關，這在多年後解決了圍繞HIV治療以及這一流行病帶來的持久恥辱。《副作用》中手工吹制花瓶裏含有真實的食物色素，這些色素被用來涂在如今治療中使用的各種藥片上——所有糖果色的柔和色調都是為了讓這些藥片看起來比實際上更無害。跳水板也可以看作是我們大型戶外雕塑《梵谷的耳朵》的前身，這件作品我們首先在紐約的洛克菲勒廣場展出，今年末馬上要在香港K11藝術基金會前展出。游泳池和跳水板一直是我們雕塑作品的主題。
Q：從洛克菲勒中心的游泳池裝置，到《Go Go Go!》和《弱結構》，你們的作品似乎刻意為敘事留有一個開放式結局？
A ：是的，是這樣的。我們不認為作品本身可具有永久的或預先設定的意義，獨立於它們的背景和觀眾的身份。這方面是我們創作過程的一個完整部分。我們喜歡把我們的雕塑想像成某種後代，他們不斷地從不同的展覽環境中學習，隨著時間的推移而改變……我們要盡可能多的給予他們經驗，還要對他們放手，使他們能脫離你的控制，形成自己的命運。
Q：從《舊世界》展覽到這次香港的新展，似乎時間都定在了一段特定的時間。你們有沒有想過用不同時間和角度來講述一個大故事？
A：某種程度上我們做過一些虛構人物的作品，呈現在2009年威尼斯雙年展的北歐和丹麥館的平行展上，項目的名字叫《藏家》。同時也為年老的、失敗的建築師 Norman Swann之家創作了一個展覽，展出於倫敦的V&A美術館。我們通過物品、藝術品、信件、書籍、相冊等等講述他們的故事，這些東西看似是他們傾盡一生積累而來的。這樣一來，觀眾就能感知這些虛構人物是誰，他們過去如何，繼而去幻象他們未來會經歷什麼。為了我們在V&A的展覽《明日》，我們甚至以小冊子的形式做了一個劇本供讀者免費取閱。近期在白教堂美術館，我們把整個建築的底層改造成一個廢棄的公共游泳池，我們用虛構的游泳池歷史沿革置換了常規的標識資訊——講述它如何在20世紀初由一位慈善家捐建，現在又如何失去了公共資金即將變成私人豪華水療中心的故事。
Q：你們作品背後的意義是什麼，以及本次展覽《過熱》的意義是什麼？
A：在我們的工作中，我們經常把藝術機構轉變為藝術觀眾不常去的地方。《過熱》也不例外，我們把香港的MDC畫廊變成了一間不再使用的地下鍋爐房。與畫廊現有的和暴露在天花板上的通風系統的對話，裝置成有各種大小、不同顏色的工業管道縱橫交錯的空間。這些大管道會影響參觀者的活動，因為人們需要在管道周圍移動才能在空間中行進。我們想讓人們意識到他們的身體是如何與建築聯繫在一起的，並打破人們在參觀畫廊時通常會有的傳統行為模式。
排水和供暖系統中隱含著許多看不見的勞動力，這卻對滿足我們的既實用又舒適的日常生活需要至關重要。對我們來説，這似乎與藝術界類似，藝術界也依賴於龐大的、常常被忽略的勞動力才能運作。這個展覽同樣從香港的背景著手，香港曾是世界主要的商品與産品製造中心，但如今，它以全球金融中心和藝術市場樞紐而聞名。我們在想，過去在香港生産的産品，現在如何轉移到其他地方去了，以及今天有多少人對生産的實際過程沒有任何經驗。這又回到了“鍋爐房”這個詞本身——它過去指的是有暖氣設備的房間，但現在則更常見於形容活動場所，甚至是電話詐騙。這些變化也反映在舊工廠或建築改造，它們變成了時髦的餐館、商店、閣樓或藝術家工作室。這就好像我們這個社會已經與物質性或身體性的某些過程脫節了，但它們仍然殘存于我們的詞彙和構建的環境中。這個展覽探討了人類歷史中文化的流動力。
Q：你們第一個表演作品可以追溯到1995年，第一個雕塑是1997年製作的。經過20多年的合作，你們是否計劃過獨自工作或創作個人作品?
A：沒有。我們的合作為我們提供了如此多的創造性輸出和表達的可能性，以至於我們從來沒有覺得有必要在其他地方獲得樂趣。曾經Michael嘗試做一些産品設計，Ingar也有一支樂隊，但後來漸漸淡出了視野。無論是缺乏時間、興趣、專注、才能還是反饋，都應該不予置評，哈哈。我們是一個專業的藝術二人組，所以對我們來説，創作過程的本質是基於我們之間的對話。
Q：似乎人們在你們的工作中可以感受到幽默感，你們認為幽默感在你們的工作甚至生活中是必要的嗎?
A：在這樣複雜的時代，它可以作為一種生存方式，一種發泄挫折的方式，一種憤怒管理的方式。有了幽默，你才可以很嚴肅。我們的幽默感相當陰暗，更受布努埃爾和貝克特（Buñuel and Beckett）的影響，而不是鬧劇和滑稽劇。