時下關於中國畫的展覽不少，形形色色，各有特色。在這個範疇裏，若不是很強調傳統寫意或者當代工筆之類的展覽的話，的確令人難辨“純種”中國畫的影子！很多展覽中出現了不是標準的工筆畫法，又絕非水墨或水墨寫意作品，有的作品直接用色彩描繪，或多肌理製作，也有水墨裝置觀念，甚至在螢幕上播放……等等，依我看，時下有很多中國畫展乾脆就改為水墨畫展了，似乎更為輕鬆些許。
至於像與不像中國畫，這是個習慣問題——因為在所謂的水墨圈中，“習慣”已經成為左右我們判斷繪畫的唯一根據。通常意義上的“慣”是什麼呢？查史明理，國畫一詞，起源於漢代，漢朝人認為中國是居天地之中者，所以稱為中國，將中國的繪畫稱為“中國畫”，簡稱“國畫”。主要指的是畫在絹、宣紙、帛上並加以裝裱的卷軸畫。國畫是漢族的傳統繪畫形式，是用毛筆蘸水、墨、彩作畫于絹或紙上。工具和材料有毛筆、墨、國畫顏料、宣紙、絹等，題材可分人物、山水、花鳥等，技法可分具象和寫意。中國畫在內容和藝術創作上，體現了古人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。
每每我們看到的評論國畫的文章，必牽涉到的理法、文脈、畫史、風格等，或再談，一上來就是那隨口可數得的幾位大家，數來數去，比來比去，多成習慣，難免套路遵循之，不輕易談之。再往下細談就是老生常談的筆墨、筆法等諸多問題了。如此一説，中國畫總要圍繞這類型的問題才能下論，關於中國畫的創作，能不能談點別的呢？
再到剛落幕的“第12屆全國美展”中國畫展場上，該展不僅表現了五年來中國畫創作的主要成果，而且也反映出當代中國畫發展的主要問題，展覽中有專家指出：中國當代國畫創作卻開始慢慢將傳統丟失，重創新，輕傳統;重工筆，輕寫意;重人物，輕山水，傳統且具有震撼力的畫作越來越少，國畫中所探索的“筆墨”、“氣韻”也慢慢為之淡化，無疑是中國畫創作的一種悲哀。“正本清源”——對中國畫寫意精神的重視亟待解決。往下強調：中國寫意畫之“意”、中國寫意畫之“寫”、中國寫意畫之“氣”一一述來，如此才中國畫？人們各抒己見。問題來了，如果畫家不按如此之寫意就是一種悲哀嗎？與之不像又何妨？？再延伸到當下其他畫種所遇同樣的問題，如：水彩沒有水味，油畫沒有油性、雕塑不為雕，亦不塑，多有人爭論云云。如此問題，早在第十屆全國美展中，藝術評論家陳履生指出：“雖然，很多人不願意提區別和界限的問題，因為，這是一個自找麻煩的事情，而且實際運作的時候也有困難，像現在這樣不區分一樣，同樣會引起爭議。可是，它又不能回避，我們總不能眼睜睜地看著把中國畫塑造成一個‘四不像’，不僅像油畫、版畫、水彩畫、漆畫，也像日本畫。現在的中國畫已經是一個無所不包的大倉庫，只要是畫都可以往裏面裝，真正變成中國人畫的畫就是‘中國畫’。”
當然，中國畫如何呈現多視角審美？這個問題是所有傳統的中國文化樣式都面臨的共同課題。解決這個問題，並非一蹴而就，就歷史而言，自中國畫誕生以來，就是在 探索和創新中前進，並留下一整套跟中國社會相聯繫發展的歷史經驗，不同的歷史時期中實現自身文化價值構建，在每個朝代都有其鮮明的時代特點，或是經典或是力作，不能照搬。正如宋人如何看唐畫，清人如何看宋畫，近代人如何看古人畫，近30年以來中國畫的發展也如此。無論是“85美術新潮”“實驗水墨”還是“傳統回歸”，使人們似乎覺得，在多變的文化語境下和不同的藝術視覺體驗之後，一門藝術樣式也隨之自覺呈新，而中國畫也正在這種轉換中相應發生了概念變化，以至逐漸形成我們今天學術界所大體分為的中國畫保守型，創新型，現代型的創作群體。
“像不像中國畫”只能束縛畫家創造的手腳，壓制畫家的探索精神，阻礙中國畫向多元化發展。藝術創作素來是以多元個性共生的生態鏈為上，中國畫的創作同樣亦非在同一張宣紙、一枝毛筆、一錠墨上作出某種程式為高，而是尊重畫家自我的視覺體驗和對當下文化的感受、判斷。或許，正是這種“像與不像”的區別和界限中游離，畫家每一次的創作都無法“慣”出來。無論未來如何，觀者可能更多期盼的是畫家能給我們創造出一幅與眾不同的中國畫，變則興，不變則衰——這是一個樸素的道理。
至於不像中國畫的“中國畫”，由觀眾來説吧。千萬別説：你的就是中國畫，人家的就不是。