好的故事在幾經轉折後，總會給出一個簡單得令人詫異的答案，然而如不經那些百轉千回，簡單的答案便沒有“見山還是山”的辯證況味，就像馬格利特的畫，讓現實成謎，只為引你思索“何謂真實”。
異化真實
提到超現實主義，多數人首先想起的是為人與畫風都很瘋狂的達利（Salvador Dal，1904-1989），他的畫是顯而易見的超現實，絢麗又奇幻；但也有為數不少的人，特別是創意工作者，偏愛的超現實主義藝術家是相對內斂許多的馬格利特（Ren Franois Ghislain Magritte，1898-1967），他的畫面刻意保留相當程度的“真實性”，但以遮蓋、錯置、巧為命名的方式吸引觀眾再三檢視、思考畫面意涵，如果達利的畫猶如天馬行空的遊戲，馬格利特的畫則是耐人尋味的真實，正如某些驚悚片所揭示的真理，最可怕的也許不是你掉入一個全然的異質世界，而是有一天你發現原本熟悉的事物開始異化，你所生活的世界，彷彿有種界限開始模糊，而當你試圖辨識眼前的事物，這一刻，關於“真實”，某種更大的生活背景才能如實在你心裏展開。
Ren Magritte, The False Mirror, 1929, Oil on canvas, The Museum of Modern Art, New York, Purchase.
這麼説也許太過抽象，但只要略舉一兩個創意人如何向馬格利特致敬的例子，大概就能明白他的精彩之處。1999年，導演約翰·麥提南（John McTiernan）重拍1968年的電影《天羅地網The Thomas Crown Affair》，同樣的犯罪富翁與女探員墜入情網故事，男主角由策劃銀行搶案改為塞尚名畫，但偷畫行動的“靈感”卻來自馬格利特的知名畫作《人子The Son of Man》，事發之後，富翁藏身在週遭同樣身著西裝，戴禮帽的人群中逃出現場，於是觀眾彷彿看見名畫中走出人來，除了視覺驚奇、説明劇中富翁品味之外，對於故事中爾虞我詐的愛情橋段更有前後呼應的興味；但借馬格利特論述愛情，最辛辣者要屬電影《戀夏五百日500 Days of Summer》，女主角Summer家中的桌上放著馬格利特畫作《人子The Son of Man》的禮帽與青蘋果，除了鏡頭隨意一撇的暗示之外，Summer在愛情中展現的人格特質也非常“The Son of Man”，看似浪漫可愛，隨興地擁抱愛情，但是始終不願面對愛情裏有“永恒”的可能，輕易就能不告而別，表面上的不羈其實是種極端理智的自我保護，如同畫裏那個被青蘋果遮住臉的西裝男子，看似尋常男人，你卻永遠不會知道蘋果後面的他，究竟是什麼模樣，換句話説，“被遮蓋”或者隱藏，才是事物永恒的真相。
Ren Magritte, The Menaced Assassin, 1927, Oil on canvas, The Museum of Modern Art, New York, Kay Sage Tanguy Fund
永恒之秘
“人們所看到的事物都另有隱藏，我們也都極力想要看透那個秘密。其實，那是不可能的，因為人們太會隱藏自己的秘密。”是馬格利特論及畫作《人子The Son of Man》的名言，其實也是他對人生的看法。馬格利特借由畫中展現的思考，包括他曾提出“視畫布為承載思想的容器”之説，以及內斂的畫風，都讓許多人視他為具有哲學思考的畫家，但“哲思”向來不是“請客吃飯”，若無非常之際遇，何苦不斷逼視生命本質？研究馬格利特的相關説法中，從來不會缺少“母親在他少年時投河自盡”這一推斷，馬格利特出生於比利時，父親是個裁縫師，母親從事女帽銷售工作，他10歲起習畫，14歲的某個清晨，失蹤了一夜的母親，屍體從河中被撈起，那一刻馬格利特目睹母親的浮屍臉部不知為何被衣飾覆蓋住，這一幕顯然對他的藝術創作産生極大的影響，雖然馬格利特本人一直否認此一論斷，但他的畫中出現許多破碎的女體，布巾蒙面者，卻是不爭的事實。
Ren Magritte, The Lovers, 1928, Oil on canvas, The Museum of Modern Art, New York, Gift of Richard S. Zeisler
尤其這些意象首次出現，便是在他畫風確立時期的一開始。紐約現代藝術博物館（MoMA）日前推出馬格利特的回顧展《日常之秘Magritte: The Mystery of the Ordinary, 1926–1938》，特別著重在他確立超現實主義風格的1926年到1938年作品，策展人為曾以米羅展拿下美國博物館協會（The American Alliance of Museums）“年度最佳策展獎”的MoMA繪畫與雕塑部門主任Anne Umland，展覽介紹中，饒富新意地説明瞭，對照馬格利特此一時期的作品與他當時所處的時代，我們會看到一個比較激進的馬格利特，他採取的藝術手法無疑是前衛又帶著某種程度的激進，從創意或畫壇整體來説，這些表現方式後來成為超現實主義的創作進路，甚至啟發了普普藝術。而從“激進”的角度來認識馬格利特，也讓他畫裏的哲思變得深刻而立體，超現實主義興起的一大關鍵是佛洛依德提出的“潛意識”學説，認為人的真實必須從夢裏找答案，但是透過馬格利特不斷的實驗，透過這些當時畫壇鮮少出現，卻被他大量運用的手法，卻讓我們明白，這種尋找是種徒勞。
符號徒勞
在馬格利特風格確立初期，遮蓋與錯置是經常出現的手法，例如受到當時法國流行的“蒙面人”主題電影影響，《恐怖刺客》裏進一步描繪“不知誰在偷窺誰”或“誰是真兇”的氛圍，真正的懸疑是來自“誰都可能是兇手”的了解；經典的《戀人》系列，分為《白日戀人》與《夜晚戀人》兩張畫，畫裏是兩個擁抱與親吻的戀人，但他們都蒙上了布巾，這讓我們想起，即使是最親密的接觸，那一刻透過凝視，戀人們真的能看見彼此嗎？抑或我們都只看見對方在愛中的扮演？
Ren Magritte, Clairvoyance, 1936, Oil on canvas, Mr. and Mrs. Wilbur Ross
《假鏡子the False Mirror》眼球與天空的風景分開來看，這兩種景物都很“正常”，但放在一起，觀眾便會産生異樣感受，特別是當畫被名為“假鏡子”；《人的命運The Human Condiction》竟是一幅畫中畫，畫中是一幅風景畫鑲嵌在窗前真實的風景中，當畫中畫脫離了真實的世界，還是風景嗎？而我們是否願意相信眼前的一切，在認清“真實”可能是種無稽之談以後？巧妙的命名也是馬格利特知名的表現手法，《形象的叛逆-這不是煙斗Trreason of Images- This Is Not A Pipe》也是他的另一幅名畫，一隻煙斗明明端放在畫中央，但這幅畫卻名為“這不是煙斗”，這個命名遠離真實嗎？可這明明只是一幅畫，的確不是煙斗，於是很巧妙地，透過這個標題對畫裏內容的否定，我們反而真正觸及了這幅畫的真實。
Ren Magritte, The Human Condition, 1933, Oil on canvas, National Gallery of Art, Washington D.C. Gift of the Collector's Committee 1987.55.1.
馬格利特的畫裏到處充滿了符號，青蘋果、石頭、西裝男子、蒙面者、風景畫等等，也有各種巧妙的命名，但是無論是符號或文字，在意象深植人心的同時，卻又同時藉由否定自身的內涵，來完成藝術的使命，所以我們不免要問，如果藝術最終無法指涉真實，那麼藝術本身的目的究竟是什麼？馬格利特在創作上有激進之處，但眾所皆知他一生都活得低調而簡樸，與初戀情人結婚，沒有藝術家常見的外遇事件，畫裏那些不成比例的女體，全都來自唯一的模特兒，妻子；穿著再正常不過，幾乎與畫裏的西裝男子無二致；言語行止毫無放肆跡象，“正常”得與作品成為極大對比，或者應該説，創作可能是他人生中的出口，最憤怒、最無助，與最清晰的想法都留在畫裏，而這便是藝術最大的目的。