曾暉這些年不在畫畫就在旅行，我們好久沒碰面。看見她的大幅創作時暗自讚嘆，原來時間並未消逝，只是被她層層疊疊留在了畫布上。

她的新作是一批關於抽象的繪畫創作，整個系列以紫色、粉色和灰色為主，色彩非常柔和。她擅長運用灰色調，色彩敏感而高級。其中點綴以微妙變化的粉、紫、綠、黃，營造出一種靜謐、內省、有時略帶感傷的詩意氛圍。這些色彩的漸變和交織仿佛在訴説著複雜的情感或正在經歷的某種轉變。表面呈現出線狀或顆粒狀的紋理，看起來具有很強的空間感，可以看到不同的層次和細節，描繪著一個不斷變化的世界或景象。圓形構圖像徵著圓融、和諧與無限。圓不僅是視覺焦點，也暗示著內在的平衡或連續性。既讓視覺向中心匯聚，又以弧形邊緣引導視線迴圈流動，營造出自洽且封閉的精神場域。邊界清晰，內部則流動變幻，漸變展開，有一種宇宙般的神秘感。

作品大多運用了細密疊加的紋理畫法，類似“點彩派”的延伸，紋理形態既像花瓣脈絡，又像自然肌理，模糊了微觀與宏觀的尺度邊界，讓畫面同時具備可觸摸的細節密度與可想像的宏大維度。通過反覆堆疊、交織的筆觸，打破了平面繪畫的單薄感，使畫面具有浮雕般的層次，仿佛每一寸都凝聚著手工創作的時間痕跡，強化了藝術是時間與生命的載體，實現了微觀敘事的宏大目的。

早年版畫的訓練為她奠定了堅實的造型基礎和對畫面結構、線條語言的深刻理解。版畫創作所要求的嚴謹、理性與複數性思維，深刻影響了她後來的繪畫創作。從版畫轉向繪畫，這種跨媒介的實踐使她能夠跳出單一技術的束縛，更自由地探索純粹的畫面表達。她的線條既有書寫性的流暢，又帶有一種柔韌的力度，這與她的版畫功底不無關係。

以“花”為母題的抽象化探索，是她藝術成就最核心的部分。她長期、幾乎專一地以“花”作為創作母題，早期有多幅“雨荷”，近些年則是將“花”提煉為一個承載形式、色彩和情感的純粹載體。雖然她的作品是抽象的，但並未完全脫離物象。她遊走于抽象與意象之間，將花的形態解構、打散、重組，保留其神韻而捨棄其形貌。我們能看到花的綻放、搖曳、生長與凋零的感覺，但已非具體的某一種花了。她發展出了一套具有個人特色的視覺語言。她的“花”常常以流動的筆觸、暈染的色彩、重疊的層次出現，仿佛是在記憶、夢境或微觀視角下的生命狀態。

曾暉作品並非對具體物象的摹寫，而是以抽象語言重構自然的本質感知：紋理的有機性暗示生命的生長與變遷，色彩的冷暖明暗則對應生命的不同精神狀態，希望、沉思、神秘、安寧。藝術家通過極致細膩的視覺語言，喚起觀者對自然、生命、時間的感性共鳴——無需具象敘事，僅靠紋理的律動與色彩的呼吸，就能讓觀者在微觀紋理的觸摸感中，聯想到宏觀宇宙的浩瀚感，實現“以小見大”的精神穿透。

她為作品命名為“堅韌的破碎之花”，也是在漫長的創作旅途中的自我激勵，這些破碎之花關於宇宙、自然、愛、喜悅、痛苦、孤獨、死亡和不朽等。她沉思默想，思考一切，重新命名和定義生活。冷峻堅硬，充滿空白、撕裂和多義性。和很多女性作家藝術家一樣，她書寫自己，塑造自我。

她的作品是抽象的自我與色彩詩學的融合：用圓形構圖框定完整的世界觀，用紋理編織生命的絢爛肌理，用色彩傳遞精神的情緒光譜，最終讓觀者在視覺與精神的雙重維度中，感受自然與生命的輝光湧流。

（圖文由1089藝術空間提供）