草間彌生，《我對南瓜永恒的愛》(2016)，赫什霍恩博物館和雕塑園。木頭，鏡子，塑膠，黑色玻璃，LED。
在多倫多舉辦的“草間彌生：無限境屋展”為遊客提供了一次體驗草間彌生最具標誌性的萬花筒裝置的機會。展覽在美國和加拿大四大博物館進行巡迴展出,包括西雅圖藝術博物館，洛杉磯博物館，安大略省美術館和克利夫蘭藝術博物館。同時，展覽還包括草間彌生從20世紀50年代初至今的大型的、千奇百態的藝術裝置和具有重要影響的繪畫以及雕塑作品。本次展覽是這位87歲的藝術家在北美地區的首次亮相也是日本藝術家20年來首次訪問北美。時至今日她仍在東京工作室進行積極的創作。展覽的作品中包括充滿活力的彩色畫和最近完成的大型無限鏡屋：我對南瓜永恒的愛(2016)。這一裝置由幾十個具有草間彌生標誌性特點的亮黃色點綴著的南瓜組成。
草間彌生1929年出生於日本長野松本，她長期在東京的工作室工作。她在京都學習了傳統的日本膠彩畫，並於1958年搬到紐約。在行為藝術和極簡主義的形成時期，她活躍活躍在最前衛的圈子裏，這一時期她與安迪•沃霍爾(Andy Warhol)、克拉斯•奧爾登伯格(Claes Oldenburg)和艾倫•卡沃斯(Allan kaprows)等藝術家進行了合作，這些藝術家也不同程度的受到草間彌生對組合、環境藝術和行為藝術觀念的影響。草間彌生的作品于20世紀60年代中期在義大利、德國和荷蘭廣泛展出，並參與了許多與歐洲新趨勢相關的藝術家的展覽，在那裏她培養起了對鏡子、電燈、聲音、動力學和光學元素交互的興趣。在20世紀60年代末，草間彌生的名聲在她激進的反戰運動中成長起來。由於她的健康狀況持續下降，草間彌生於1973年回到日本，此後一直居住在那裏。近年來，草間彌生獲得了較高的藝術地位和極大的尊重。
“這是一個難得的機會來舉辦一位在世藝術家的展覽，在她幾十年的藝術創作中，她激進而又有趣的設計理念對藝術設計和當代文化産生了驚人的影響。” AGO的首席執行官斯蒂芬·喬斯特(Stephan Jost)説，“我們很高興能與如此知名的博物館合作，將草間彌生的創意帶給多倫多。”
“草間彌生在她的職業生涯中引發了一種世界潮流，她有能力用她的藝術來激勵所有年齡的觀眾，”米麗莎•邱（Melissa Chiu）説，“我們與四家機構進行合作，為北美各地的觀眾提供體驗跨越50多年的藝術作品的機會，這是一種榮幸，也是一種榮譽。”
“草間彌生：無限境屋展”按照時間順序進行排列，以藝術家里程碑式的裝置“填充物草原”（Phalli’s Field）(1965-2016)作為第一件作品。這是一個密集而令人眼花繚亂的區域，在一間內飾有鏡子的房間裏，有數百個佈滿紅色斑點的陰莖模型。展覽還包括無限鏡屋：永恒的愛(1966-1995)，在一個六角形的房間，觀眾可以從外面觀看到彩色的閃爍燈光，從天花板到地板一直不停地進行著反射，這幅作品是草間彌生1966年的“魔鏡室”(Kusama's Peep Show)的再現。
草間彌生簽名粗體的圓點花紋出現在“沉迷圓點：化作圓點的愛”（2009）（Dots Obsession—Love Transformed into Dots）這一裝置上。這是一個被懸挂在天花板上的充氣物體所包圍的圓頂的鏡子房間。以“毀滅之後的永恒”（Aftermath of Obliteration of Eternity）（2009）和“數百萬光年的靈魂”（Souls of Millions of Light Years Away）(2013)為代表的裝置在壯觀的LED環境中填充了燈籠和水晶球，在鏡子的反射下它們似乎延伸到無限的空間中。
該展覽的組織者，博物館副館長、聯合策展人吉竹美香説：“草間彌生的作品在不同的空間中不斷實現，每個場館都將通過草間彌生的世界給參觀者一種獨特的感官體驗。當參觀者探索展覽時，他們將不可避免地成為作品的一部分，整個展覽不斷挑戰觀者對自主性、時間和空間先入為主的觀念。”
展覽包含60多幅油畫和雕塑和作品，以及許多草間彌生鮮為人知的拼貼畫，這些作品是她1973年回到日本後創作的。這些她早期的超現實主義作品描繪出了藝術家的創作軌跡，從無限的網格繪畫和組合收藏到最近的繪畫和軟雕塑，這些作品突出強調了自然與幻想，烏托邦和反烏托邦，統一與隔離，癡迷與超然，以及生與死的重復主題。
展覽的最後是草間彌生的標誌性參與裝置“閉塞的房間“（Obliteration Room）(2002)，這是一件全白色的傳統家庭場景的複製品。進入房間後，參觀者將被邀請到裝飾有彩色圓點圖案的陳列室的每一表，體會整個空間逐漸被脈動的色彩所吞噬。（文字來源：Artdaily，編譯/姜婉婷）
《閉塞的房間》（Obliteration Room）(2002),東京/新加坡大田畫廊草間彌生工作室