卡米耶·畢沙羅，《白霜》，1873，布面油畫，65 x 93.2釐米，巴黎奧賽博物館

撰文_陳泳潼

説起印象派，首先會想到什麼？是那些早已融入日常生活的藝術風格，還是街頭商鋪中氾濫的“經典”複製品？毫無疑問，印象派是當今最廣為人知的藝術流派之一，正是這份大眾化和普及性，使印象派本身的革命性常常被忽視。這個最初被譏諷為“塗抹”和“不入流”的藝術風格，為何能從當初的邊緣走向主流，進而成為全球藝術史中的重要轉折？近日一場于美國華盛頓展出的“巴黎1874：印象派時刻”，或許能提供一些線索。

溯源與變革：巴黎1874首屆印象派展覽

奧古斯特·雷諾阿,《舞者》，1874，布面油畫，142.5 x 94.5 cm，美國國家美術館

2024年，為紀念首屆印象派展覽150週年，法國奧賽博物館與美國國家美術館攜手呈現的這場特別展覽，將目光聚焦于印象派誕生之初。1874年，一群被當時象徵著藝術界最高權威的巴黎官方沙龍展（Salon de Paris）拒之門外的藝術家，在攝影師納達爾（Nadar）的工作室裏，自發組織了一場獨立展覽。這場不畏權威、富有冒險精神的展覽，展出了31位藝術家的作品，其中包含克勞德·莫奈（Claude Monet）、奧古斯特·雷諾阿（Auguste Renoir）、埃德加·德加（Edgar Degas）、貝爾特·莫裏索（Berthe Morisot）、卡米耶·畢沙羅（Camille Pissarro）、阿爾弗雷德·西斯萊（Alfred Sisley）和保羅·塞尚（Paul Cézanne）等大師的經典之作。正是在這場展覽中，莫奈的《印象·日出》因其似乎“未完成”的畫面效果，被評論家嘲諷為“印象派”，這個當時充滿貶義的詞彙，竟不知不覺間成為了藝術史上不朽的名字。

美國國家美術館展覽現場：兩幅分別代表印象派和沙龍展的作品並列展出，左：《灰衣主教》，讓-萊昂·傑羅姆，右：《印象·日出》，克勞德·莫奈，攝影：Tierney L. Cross，圖片來源：The Washington Post

此次展覽不僅再現了1874年首屆印象派展覽中120余件代表性作品，還將其與同年官方沙龍展出的繪畫和雕塑作品並置展示。通過這種並列對比的方式，觀者得以重新審視當時藝術審美與評判的標準，理解兩者在美學理念上的分歧。印象派出現一個半世紀後，可以通過這次展覽盤點印象派經典作品並洞察其革新性，並引發對印象派作品在當今藝術語境中存在何種意義與價值的思考。印象派作品究竟憑藉何種力量在過去150年間持續影響藝術創作？它們如何在形式與理念上引發了藝術史的轉折，並塑造了今日的藝術走向？法國奧賽博物館及橘園美術館館長Christophe Leribault表示：“此次展覽將緊密重現首屆印象派展覽。它將邀請參觀者沉浸在這一決定性時刻，即藝術史上的重大轉捩點，並幫助我們了解它的出現並把握它的激進性。”

從邊緣到主流：印象派的勝利與悖論

克勞德·莫奈，《印象·日出》，1872，布面油畫，50 x 65釐米，巴黎瑪摩丹美術館

回到1874年，創新並非如今這般輕鬆。彼時的評論家對莫奈的《印象·日出》諷刺地評價為“連壁紙的草稿都不如”，繼而得出“印象派”這個稱號，這一流派本身更被看作是對藝術秩序的顛覆。儘管身處於不斷被嘲笑、排斥的環境中，印象派藝術家仍然堅持追求新的藝術表達方式，他們摒棄了學院派精細的描繪技巧，轉而專注于畫面色彩與情感的直接表達。

印象派以其眾所週知的藝術特徵而著稱，從柔和的色彩到悅人眼目的主題，最突出的還莫過於對光影變化的執著描繪。印象派畫家著迷于捕捉轉瞬即逝的光線，試圖將動態瞬間以恒久的形式定格在畫布上。正是由於光線的不可預測性，導致印象派的作品常常呈現出一種即興感。這群藝術家們開始嘗試“從短暫發現永恒”，並影響了無數其後的藝術家相繼探索這一主題。他們的探索是否真正觸及了永恒？或許是留給觀者的問題。

印象派還深受當時在歐洲流行的日本浮世繪的影響，作品呈現出平面性，這也與當時的主流繪畫標準背道而馳——要求繪畫嚴格按照透視法從而呈現出立體性。攝影技術的發明，導致繪畫不再需要完成照相機可以做得更好的工作——還原景觀原貌，從而為繪畫開闢出了新的路徑，讓顏料發揮它原本應該發揮的功能——呈現色彩。

讓-萊昂·傑羅姆，《灰衣主教》，1873，布面油畫，68.6 x 101釐米，波士頓美術館

通過對比陳列1874年沙龍展與印象派展覽的作品，“巴黎1874：印象派時刻”直觀展示了當時兩者間的差異。沙龍展堅持的寫實主義和歷史畫傳統，已難以回應瞬息萬變的現代社會，而印象派則為藝術帶來了新的生機與活力，賦予了觀眾全新的觀看方式。這些創新不僅是對藝術形式的探索，更是對當時社會、政治和文化變革的敏銳回應。彼時，法國正經歷劇烈的政治動蕩、科技飛速發展，攝影技術的問世與振奮人心的哲學新思潮交織，這一切似乎都在為那群反叛的藝術家鋪設舞臺，直等他們的到來。

規則的消解：自由亦或迷失？

愛德華·馬奈，《鐵路》，1873，布面油畫，93.3 x 111.5釐米，美國國家美術館

“巴黎1874：印象派時刻”重現了150年前的藝術革命，為當代觀眾提供了一個回顧現代藝術發展軌跡的機會。不難看出，印象派對後世藝術創作的深遠影響不僅體現在形式上的革新，更在於它激發了藝術家對自我表達的強烈渴望，以及大膽挑戰既有美學規範的勇氣。而如今，當我們再度回望這段歷史時，也許正是時候反思：這條自由之路是否真正引領了藝術達到了新的高度？印象派開啟了現代藝術的序幕，為後世藝術家提供了無限可能的表達空間。然而，隨著規則的解構，藝術是否真正找到了更深層次的意義？在印象派開闢的道路上，藝術是否在某些方面背離了其原初的使命與本質？

亨利·方丹·拉圖爾，《靜物、軀幹與花卉》，1874，布面油畫，116 x 90釐米，瑞典哥德堡藝術博物館

150年後的今天，重溫印象派初衷的同時，也促使我們正視當代藝術所面臨的複雜局面——藝術的自由應當如何實踐，又該如何理解？從印象派到當代藝術，審美的界限不斷被拓寬，藝術創作的形式與內容變得更加多元化。與此同時，面對層出不窮的“新表現”，是否真正提升了藝術的內涵？許多所謂的突破，究竟是為了打破規則而打破，還是帶來了真正的思考和共鳴？展覽沒有給出明確的答案，但它讓我們在與歷史的對話中，可以更清晰地看到藝術在自由與規則、創新與傳承之間不斷探索的演變路徑。正是這種持續的探索，賦予了印象派及其遺産在當代藝術語境中持久的生命力與影響力。（本文圖片除特殊標注外，均來自美國國家美術館）

奧古斯特·雷諾阿，《劇院包廂》，1874年，布面油畫，倫敦考陶德美術館

 保羅·塞尚，《自縊者之家，瓦茲河畔奧弗斯》，1873年，布面油畫，巴黎奧賽博物館

埃德加·德加，《鄉村的賽馬場》，1869年，布面油畫，波士頓美術博物館