“複數之禮通達永恒”展覽：看南韓當代藝術家如何傳統轉化

時間: 2024-07-11 11:57:40 | 來源: 藝術中國

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“複數之禮通達永恒——南韓藝術四人展”展覽現場

撰文_張思琪許柏成

2024年7月7日下午，一場個體藝術風格、語言彼此鮮明，而在創作方向與路徑上具有一致性的視覺展覽在中央美術學院美術館三層B展廳上演。這次展覽名為“複數之禮通達永恒”（Rituals of Repetition,Portals to Eternity），由中央美術學院美術館主辦，Waterfall藝術基金會支援，王春辰、凱特·申（Kate Shin）擔任策展人，展出了李鎮雨（Lee Jin Woo）、張真源（Chang Jinwon）、李承熙（Lee Seung Hee）和申暎浩（Shin Youngho）四位南韓藝術家的藝術創作。

“複數之禮通達永恒——南韓藝術四人展”開幕式嘉賓攝影：張思琪

四位南韓藝術家彼此藝術創作的材料和方法完全不同，但都根植于東方傳統，與現代文明與當代生活對話，由此産生了鮮明的藝術面貌。對於東方觀眾而言，可謂驚艷又似曾相識。驚艷是因為他們創造出的新的視覺樣式，而似曾相識則是因為其中蘊含的東方哲學觀。有意思的是，四位南韓藝術家雖然早期均在南韓接受藝術教育，但後來都有長時間國際化教育與創作的經歷，他們分別長期生活與工作在巴黎、紐約、中國北京和景德鎮。

藝術家李鎮雨在開幕式上發言

我認為，就像人類有必要安慰和謙卑地支援其他人一樣，藝術作品也應該如此。一幅畫應該有所撫慰。我希望我的作品能夠做到這一點。

——李鎮雨

李鎮雨（Lee Jin Woo）從1986年起定居法國巴黎，並在巴黎國立高等美術學院學習。他被公認為是"單色畫運動"影響的新一代南韓藝術家中的佼佼者之一。四十多年來，李鎮雨將身體和精神的疲憊轉化為深層次的，帶有煉金術意味的炭筆結構。他的作品只能夠通過一種方式獲得成功：在工作室裏日復一日的苦練。

李鎮雨作品展覽現場攝影：張思琪

他的作品從日復一日的疲憊和苦練中探索隱匿和時間流逝的主題，通過使用木炭和金屬刷在韓紙上作畫，李鎮雨創造了一個休憩之地，能夠給予觀眾想像、情感和感知的自由。自1990年代起，李鎮雨就開始嘗試使用木炭，並從2008年左右開始將其應用於整個畫面。他細緻入微的分層過程首先包括透明的木炭層，然後過濾並與粘合劑混合，這種混合物被用於塗抹一層亞麻布基底上，然後完全覆蓋上韓紙，藝術家將這種行為視為一種個人"無效化"的形式。然後藝術家用鐵刷反覆打磨、刮擦和敲打表面，過程持續兩到三個月。

李鎮雨作品展覽現場攝影：張思琪

隨著時間的推移，韓紙和木炭逐漸變得厚重並完全融合，最終形成至少10層，有時多達20至30層的融合層，在表面上創造了粗糙而陡峭的浮雕，指涉出可能存在的內在景觀，在其上光影可能呈現出無限變化的色調和效果。李鎮雨的作品通過痕跡和擦除同樣喚起了空虛和存在的感覺，其寧靜的構圖植根于純粹的形式和煉金術的精神。

李鎮雨作品細節

“對我來説，反覆地拿金屬刷繪製是最基礎的動作，時間、退化……是大自然的法則。我們可以運用時間本身，在上面雕刻出印記，在我們的時間過程中，我的作品是無聲的，因為我們的時代人與人之間已經有了足夠的閒談，我們已經受夠了這些閒言碎語，因此不必再讓作品訴説更多。如果您站在我的作品面前，您只需要深呼吸便可獲得安寧”。這其實是與內心深處自己面對面交流的結果。

李鎮雨作品細節

在這次展覽中，李鎮雨展出了超過 16件主要作品，如《長河》及其隨後的繪畫《瀑布》《雨》《河流》等，他的作品將長江視為中國大陸的生命線，表達了對復興和活力的祈禱。這些作品的靈感來自於他2008年在中國七個月的旅行。李鎮雨將水描述為更新、凈化和再生的象徵，《瀑布》《雨》《河》和《藍》系列作品都以中國的復興和繁榮為中心。

藝術家張真源在展覽現場接受採訪攝影：許柏成

在密歇根州，我被高大的樹木所包圍，白色光線穿透樹木，風吹拂樹林。我看著密歇根湖上瞬息萬變的普魯士藍和青綠色，湖水波瀾，以及蒼穹下的天空。在這樣的環境中呼吸、創作，我發現了真理、美麗、喜悅和感恩的無形本質，而這正是我在那裏所經歷的閃亮時刻。我得以達到一種前所未有的開放狀態。

——張真源

張真源作品展覽現場攝影：張思琪

張真源的作品深深植根于南韓和日本水墨畫的傳統，捕捉了宇宙的空靈之美。通過彌合觀者與宇宙之間的鴻溝，張真源總是讓我們沉浸在對無限宇宙的敬畏和心契當中。張真源的作品深入探索難以捉摸的無形和靈性領域，他以藝術為通道，引領自己穿越對不可見物的困惑，並將其轉化為講述和理解自己信仰旅程的媒介。

張真源作品展覽現場

曾在南韓學習南韓傳統繪畫，2004年移居紐約。張真源在家鄉學習南韓繪畫的傳統和實踐，他選擇的材料是墨水和日本顏料（韓語中的"Bunchae"），畫紙是高麗紙。隨著時間的推移，他開始從傳統毛筆技法轉向當代媒介，來配合丙烯和木炭。最終他和南韓傳統技法結合，並深入學習絲網印刷的技法，使用墨水、丙烯顏料、金屬顏料、木炭和顏料筆進行創作。

張真源作品展覽現場

在央美美術館展覽的作品探索了一系列生動的視覺色調視覺範圍，反映了張真源擁抱永恒之光的旅程和對超驗感知的信仰。張真源的創作過程以靜謐和精細的塗抹層次感為特徵，多達40甚至50層顏料細細地覆蓋在畫布上，冥想式的創作方法促進了意識和再生本質的深刻聯繫。他將創作過程中的意外結果描述為神性的啟示，表現為永恒之光。在生命過程中，他遇到了神示並執行了直覺的傳遞。藝術家在教徒式的創作過程中産生了一種冥想狀態，這種神性直接進入了他的繪畫。

張真源作品細節

本次展覽展出了 2017年的早期作品《永恒之美》（Eterna Beauty）、《之間》（In between）源自他信仰旅程的轉變和發展，三次與溺水有關的瀕死經歷，在他心中留下了深刻的圓形印象。水中漂浮的氣泡代表著充滿生命支援之氧氣的微觀世界，成為永恒真理和崇高統治的象徵。《之間》（In between）啟示如何在黑暗中找到照亮人內心深處之光的苦悶。《時機》（Kairos）系列是一個在精神上構建的世界，時間處於中間狀態，是他的駐地系列作品。他在穿透密歇根湖的光中，找到了和諧，體驗到從所未有的平靜和敞開的質感。對於藝術家來説，當他遭遇了神性，就遇到了作為藝術家的時機，該系列展現了通常肉眼無法見到但依然可見的真正美麗。駐留結束後，張真源與絲網印刷大師加裏·利希滕斯坦展開了為期六個月的合作，在此期間，他的創作以一種比以往更為廣泛的方式探索色彩。

張真源作品細節

而他近期創作的《榮耀》系列（Glory）探索了視覺色調的爆發，直接與他心靈領域的拓展有關，向著永恒之光的新語境敞開，以及從超然視角看待世界的信念。“過去，我廣泛使用墨水創作單色藝術品，象徵宇宙的顏色，它類似于光——一旦釋放出來，就會消散到虛空中，對我來説，色彩保留了同樣的意義。但它的能量是集中的，有別於光的分散性，這就是我開始轉向色彩的起點，將我的創作變成一個宇宙。”本次展出的作品邀請觀眾超越表層的視覺領域，探索每件作品所蘊含的黑暗、陰影和光、色深度。

藝術家李承熙在現場進行導覽

我希望去創造毫無人工痕跡的作品，它不是為了説服，不是為了炫耀，但從不放棄交流。這個過程感覺像是在與沉默對話。只有在長時間的沉默之後才會傳來回聲。這個系列是一個沒有裝飾、符號和人像的作品——有的只是時間的痕跡。這個過程就像穿越一個未知的洞穴。不過，我對作品仍懷有信念和夢想，所以我不斷摸索，希望某天會突然出現一束微光。

——李承熙

李承熙作品展覽現場攝影：張思琪

李承熙1960年出生於南韓清州市，他在2008年搬遷到中國景德鎮之前學習陶瓷、纖維工藝、染色和挂毯製作。在過去35年的藝術生涯中李承熙一直處於當代陶藝的前沿，不斷挑戰傳統觀念，將陶瓷藝術創新成為當代繪畫和裝置藝術作品。李承熙的作品強調土壤和地面的重要性，強調主題、材料和色彩，探索再生的主題。

李承熙作品展覽現場

這次展覽以李承熙早期的陶系列開始。它們富有想像力地重新解釋了朝鮮王朝 (1392-1910)歷史性的立體陶瓷傑作——花瓶、碗、罐子、碗、瓶子、飲水器——轉化成瓷磚上的二維圖像。李承熙的最新創作，“8毫米空間”的《若紙》系列，為折疊和分層的紙的渲染注入了意想不到的體積和顏色的提示。他隨後創作的竹子雕塑裝置《陶》涉及數千個陶瓷"竹節"的製作，當這些"竹節"拼接在一起時，會讓人聯想到成片優美、自由伸展的竹林。

李承熙作品細節

藝術家選擇用粘土再造竹子的形象，為了製造硬和軟的對比，他專注于製作模倣自然竹節的單個關節，關注黏土的收縮變形以及陶瓷釉料的多樣變色，在各竹節的高度、長度和連接上實現和諧的微妙變化。

李承熙作品細節攝影：許柏成

藝術家申暎浩在開幕式上致辭

水墨繪畫的實踐不僅僅是藝術中的一種技術或風格。“水墨”源自東方的傳統和歷史，它不是當代美學。我的《液體繪畫》系列試圖收集這些與水墨的相關聯想和傳統實踐，並將它們重新置於當前時代的語境之中。

——申暎浩

申暎浩作品展覽現場

申暎浩是一位擅長水墨畫的南韓藝術家。他獲得了首爾大學東方繪畫學士和碩士學位、中央美術學院書畫比較研究博士學位。自2011年以來，他堅持不懈地探索東方傳統技法“水墨”在當今語境中的核心原理。他質疑繪畫的基礎和對傳統的當代詮釋，並深入研究書法藝術，強調筆觸呼應呼吸的節奏，象徵永恒的生命更新週期。

申暎浩作品展覽現場

在《綻放系列》中，申暎浩探索了菊花在東方藝術中的文化意義，深入探討了菊花在歷史上對長壽、高貴和重生的描繪。《青色系列》利用傳統的印表機墨水技術和 CMYK三原色來捕捉自然的色調。《生長》系列亦是他為本次央美美術館的三層空間特別挑選的作品，他熟悉央美美術館的空間體量，"長達6米，懸挂在天花板上，通過相互連接的板塊探索竹子堅韌不拔和生長的象徵意義的《生長》像神示的經幡。

申暎浩作品展覽現場

在本次展覽中，申暎浩特別創作了一幅4米長的水墨畫《遊牧》（Nomad），畫中的"螞蟻"是他從 2017年早期的《遊牧系列》中演變而來的獨特形象，通過螞蟻的有限視角對現代生活進行了反思。藝術家在接受採訪時提到，在中央美術學院研究書法的過程給他的這一系列創作帶來了很大的啟示，在畫面上製造螞蟻就像分解中國書法的筆劃一樣，作為元素和材料出現。在看過系列作品之後，我們發現也許重要的不是螞蟻，而是螞蟻攀附在睡虎、陶罐上的過程，重要的是螞蟻用身體感知的那個形象。

申暎浩作品展覽現場攝影：張思琪

展覽聯合策展人、Waterfall藝術基金會創始人凱特·申在開幕式上致辭

本次展覽聯合策展人、Waterfall藝術基金會創始人凱特·申表示，之所以選擇這四位藝術家，把他們的作品帶到北京，是因為他們身上具有傳統和當代環境的雙重影響，在他們的技法或媒介中有一個傳統的根源，他們的作品提示了藝術家選擇傳統進行當代轉化的方向和路徑。在接受採訪時，凱特·申提到希望未來有和更多中國藝術家合作的計劃，這是舉辦這次展覽非常重要的原因之一，她希望將中國藝術家的對傳統進行當代轉化的實踐帶到國際舞臺。

展覽策展人、中央美術學院美術館副館長王春辰教授在開幕式上致辭

為何展覽題目定為“複數之禮通達永恒”？本次展覽策展人、中央美術學院美術館副館長王春辰教授説在現代藝術的創作中，比如抽象藝術、極簡藝術，一次又一次的重復，來追溯探討藝術的實質是一個核心的理念，這也是本次四位南韓藝術家創作的一個重要的共同點。

王春辰教授在接受採訪時説，南韓與中國一樣具有自身的東方美學傳統，如何把傳統轉成當代？這是個關鍵性的挑戰。南韓現代藝術從1960年代開始，經過1970年代的發展，歷經現代主義、抽象藝術，一直髮展出單色繪畫，形成了具有自己特點的一個繪畫語言系統。本次選擇的四位藝術家，他們的作品是整體性的南韓當代藝術的代表和幾代人的濃縮。他們自身經過多年的學習與實踐，探索思考如何把他們所學習到或理解中的傳統藝術轉換到今天，不是直接挪用，而是有機地反映到今天繪畫的語言、技法和觀念中。在今天的中國我們也同樣面臨著如何把傳統文化轉換到當代，把過去優秀的文化基因營養有效地變成個人語言的問題，因此這次在中央美院美術館舉辦展覽對中國藝術家是非常具有啟發意義的。

開幕式現場

南韓文化院院長金辰坤（Kim Jin-gon），北京798Cube藝術中心館長李東妊（Lee Dong Im），Waterfall藝術基金會主席凱特·申，中央美院美術館館長靳軍，副館長、此次展覽的策展人之一王春辰，副館長高高，中央美術學院研究生院副院長吳嘯海、教授陳曦、教授金日龍，塞爾維亞當代藝術館館長瑪哈·克拉裏克，著名策展人巫娜·波波維奇，藝術家、紅磚美術館藝術部負責人、高級策展人喬納森·斯坦普，鳳凰藝術中心美術館館長、鳳凰藝術主編肖戈，北京一號地國際藝術中心主理人吳彬，北京富龍集團董事長王誠，偏鋒畫廊主理人王新友，北京龍門藝術區管委會主任王立華，798藝術區副總經理楊進維，著名藝術家戴增鈞等嘉賓參加開幕式。

中央美術學院美術館館長靳軍在開幕式上致辭

中央美術學院美術館館長靳軍在開幕式致辭中代表央美美術館向來自南韓的四位傑出藝術家表示熱烈的歡迎。他談到，此次展覽由中央美術學院美術館與Waterfall藝術基金會共同策劃，旨在促進中韓文化交流，展現南韓當代藝術的態度。展覽匯聚了四位藝術家的作品，以獨特的視角和藝術語言展現了南韓傳統文化的精髓和當代藝術的活力。藝術家們通過對傳統媒介的實踐，將其轉化為具有當代性的虔誠表達，展現了傳統文化的獨特魅力。他希望通過此次展覽繼續增進中韓兩國人民之間的了解和友誼，促進兩國文化的交流和合作。