展覽開幕嘉賓合影
2023年4月27日，“燦然逸韻——莫曉松作品展”于中國美術館一層2、4號展廳如約而至。本次展覽作為“中國美術館學術邀請系列展”的一部分，由中國美術館、中國美術家協會和北京畫院共同主辦。
開幕現場
作為莫曉松迄今為止最為完整的創作呈現，該展覽系統梳理了藝術家近三十年的探索歷程，從畫鳥系列到古希臘題材創作，有細微的工筆畫，也有意象的水墨作品，還有重彩迭加的探索性作品......莫曉松在這一過程中不斷推陳出新，以期通過“一畫一景一境”的描繪為觀眾展現其不同時期的創作全貌。展覽不僅記錄了藝術家由摩古到突破程制，實現審美逸趣、超然于象的自在之路，更通過尋跡古希臘羅馬文明，實現了中國畫的世界表達，在兩大文明間提煉出文化的共通共融。正如藝術家本人所言：“這些作品力求以詩意的構想, 擴展自己對中西文化以及對水墨畫情緒化的把握能力，傳遞內心的快樂體驗，尋求藝術的自在之境。描繪清逸恬靜之心性、生命詩意之印記。”
嘉賓觀展
縱觀此次展覽，展出作品從時間上大致分為三個階段：赴北京畫院前，莫曉松在甘肅的創作充滿西北情懷，大漠風情下空曠寧靜的花鳥作品精緻明麗、雅逸清疏。而北京畫院的經歷對藝術家影響深厚，他不斷鑽研傳統追摩宋元，通過對崔白、徐熙、王蒙、范寬等名家的學習，在和大師作品參照比較、強化案頭功夫的同時，追尋古人足跡循跡寫生、臥遊山水；在精進筆墨修養的同時，注重對藝術本體的感悟，不斷打磨對線的認知和文墨之間的綜合體悟，漸漸明晰了自己的個人創作風格。而近五年，藝術家在海外遊歷中更拓展了其對中國畫世界表達的藝術張力，莫曉松大膽探究並引入西方色彩體系，突破傳統制式從而抵達了更加收放自如的創作維度。
正如展覽題目“燦然逸韻”所示——藝術家不斷拓展著當代中國畫發展的可能性，在秉承東方神韻精髓的基礎上，迸發出更加“燦然”豐厚的色彩張力和澎湃的創作激情，而在這一過程中，莫曉松也實現了其野逸自在的審美格調。正所謂“能-妙-神-逸”，“燦然逸韻”了然如此。
2007年 《池塘盪漾》64x64xm 紙本重彩
2001年 《月光 》-64X64cm紙本墨色
“不以心為形役”的工寫相濟
三十年，莫曉松在“不破不立”的創作之路上找到了自己“鬆弛”的創作狀態。這種“破”並不是“為賦新詞強説愁”的刻意為之，恰恰相反，它是一種極其水到渠成的內化使然。莫曉松創作早期以其工筆花鳥而聞名，他的側鋒白描不拘一格，透露出對線條極強的掌控力。在傳統工筆的精細之餘，他更追求造化心性和“朦朧感”，這種朦朧感或模糊性消除了傳統工筆、寫意的邊界，當花鳥和生活保持一定的距離，才能讓渡出藝術家個人的內化空間和審美意向。
2019年《蕭蕭暮色》200×300cm絹本設色
在採訪中，莫曉松談及了他對寫生、寫實的一些看法。在他看來，如果在寫生中一味追求寫實的“像”，只能在技法上無限接近對象的真實，卻會失去創作本身的意義，甚至重走院體之路，落入前人窠臼。莫曉松認為，工筆也可以“似是而非”，在繪畫過程中，工筆和寫意只是繪畫方式，而非其根本。“不是從寫生到創作，而是從意象到創作。也只有這樣，藝術家的創作才能百花齊放，找到更廣闊的個人表達空間，把個人修養與創作意境相融通。”莫曉松説到。
2002年-《春到紅墻》210X195cm紙本重彩
2019年 雨林歸來生 178x100cm紙本重彩
2023年《飛花漫天遊》186x175cm 紙本重彩
水墨 + 重彩 + 印象派色彩體系的啟發
“繪畫，就是從指尖溢出的心性的衝動。觸及繼承傳統之中國文化的根源意識，就能醞釀出有力度之的創作。”這裡的心性衝動，貫穿莫曉松創作始終，也是促使其不斷突破，在表現手法上推陳出新的不竭動力。“其實我沒有專門去為創新而創新，這就是順從自己的身心，和遇到創作上的問題而進行的思考和實踐。我們説筆墨當隨時代，我個人而言認為當代創作中如果只用水墨很難表現自己的全部，所以就創作了很多重彩作品。但中國畫以固有色為主，只是礦物質的原色還不能完全表達顏色的豐富性，並不足以實現內心澎湃情感的表達訴求。而以莫奈為代表的印象派給了我很大啟發，它從某種角度補充了中國傳統顏料體系，它的色彩鮮明並恰如其分的與環境相融合，是高於古典主義的存在。時代與環境在不斷變化，那麼內心和藝術的表現也自然隨之演變，如果希望順應其變，那麼用色上就也可以進行一種解放式的試驗。就如同綠色的竹子本身是冷色的，可是創作者內心澎湃選擇了紅色。古人畫竹也用過硃砂，但那種燦爛和豐富性與當代相比是不夠的，因此我會再融入金色，那麼它帶給人的視覺和內心感官就更有層次了。顏色的疊加也會描繪出一種更加朦朧的藝術境界，繪畫語言便會更加豐厚從而呈現更多維度，因此顏料的嘗試和實驗應該是創作者需求下的應運而生。”
2020年-陶瓶-時空68x45cm（加厚熟宣 水墨 礦物質顏料）
2023年 希臘神話之——茶香彌散113x76cm（手工麻紙 水墨 礦物質顏料）
從敦煌眺望地中海——東西方文明的互鑒共融
在莫曉松的古希臘羅馬系列創作中，受陶瓶啟發的一批作品格外令人印象深刻。藝術家巧妙的找到了古希臘瓶畫極具裝飾性的線描和中國畫中用線的共通之處，在顏色上以敦煌土入畫，給人一種跨越時空、古今相連的感受，以東方筆墨對西方文明進行表達和呈現，竟毫無違和之感。
2023年-希臘陶瓶之變——蛇的傳説113x76cm（熟宣 水墨 敦煌土 礦物質顏料）
的確，當拋開歷史的時間軸和地緣界限，把世界放平，我們似乎可以找到更多古老文明間的內在耦合。古希臘遺存和魏晉以及漢代畫像磚在藝術語言上不無共鳴，莫曉松在文化共通的土壤上紮根與汲養，用深沉的水墨暈染遊走其間，高貴的單純與靜穆的偉大便在這筆墨交織中不期而遇了。
2019年 浮雕之韻——抱樸含真42x73cm（手工麻紙 水墨 礦物質顏料）
2019年 教堂之影——逸倫112x88cm（熟紙 水墨 礦物質顏料）
2020年-飛雲過盡 初遇聖殿山93x174cm（加厚宣紙 水墨 粉質顏料）
2020年-龐貝所見——故人未還50x72cm（熟宣 水墨 礦物質顏料）
正如莫曉松本人所言，“有時候創作的過程也是一種破壞的過程。中國畫的經典之處就在於掌握程式，但是我現在要做的就是在掌握規律後突破程式。”而追其根本，突破的基礎是技法的熟捻，突破的動力是對藝術表達的極致追求，它不是與旁人的賽道間競技，而更關乎藝術家個人成長的推進和追求。因此，當想表現熱帶雨林植被層疊的豐茂生態時，莫曉松打破傳統構圖，選擇大膽的滿幅鋪陳；當致力於寬闊內心的抒發與表現時，莫曉松在精緻工細與詩意的鬆弛和張力之間果斷選擇了後者；當其沉醉與浪漫的理想主義的澎湃激情之中時，他將色彩疊加渲染，如同激蕩的音符代替簡素清疏的水墨。
開幕式嘉賓致辭
藝術家莫曉松致辭
莫曉松自述到：“我的作品中力求呈現：藝術表現如生命流水，要有暫態變化之勢。”誠然，他做到了。在這一追求的實踐中，他不破不立，融會貫通，在手和心的統一中加入自己的意向，沉澱後的顛覆反倒更加隨心所欲，也就自然實現了其鬆弛野逸的流淌狀態。正所謂不重復古人，不重復自己，才最終達到“一畫一境”的表達，抵達“燦然逸韻”的新格局。
據悉，本次展覽將持續至5月8日。（文/付朗）
