6月21日上午，藝術中國與中間美術館藝術家系列漫談第3場在中間美術館舉行。一個當代藝術家，應該保持什麼樣的創作狀態才是最好？藝術家靠什麼支撐著走下去？漫談圍繞藝術家創作狀態的話題，邀請馬可魯、梁好、馮良鴻、李木4位藝術家展開座談，他們有著許多共通的體會，也有著單屬自身的獨到見解，相互交流碰撞之際，讓觀者無不受益良多。
梁好：恐懼和未知是最好的狀態
作為一名當代女性雕塑家，梁好與其他三位藝術家相比有著獨特的藝術身份。她認為當一個藝術家處在一種未知甚至是恐懼的狀態時，才能創作出真正好的作品。當一塊木頭斷然兩截時，藝術家眼前映現出迥然於以往創作經驗的視覺效果，怎樣接納眼前的偶然性的藝術效果並繼續勇敢地創作下去，是一個當代藝術家需要學會的。“藝術實際上是一種對未知領域的挑戰，”她説道。在這裡，未知領域更多的是指一種精神領域甚至新的存在體悟。在談到自己的創作經驗時，梁好説道：“經常在做作品的時候，不知道是否成立，開始總是懷疑。”然而，正是這種懷疑的體驗促成了具有當代價值的藝術品的出現。她希望在藝術作品中凸顯一種人性和生命存在的感動，而這些都是無法用語言和文字表達的混沌的隱秘存在，必須用藝術形式表達和呈現。在表達和呈現的過程中，藝術家需要有極大的勇氣和膽量將以前的範式破壞掉，時刻擁抱創作過程中的懷疑和不確定。
馬可魯：藝術家下意識的藝術感悟非常重要
談起繪畫狀態，馬可魯因為有著40餘年的創作經歷，所以有很多東西難以用語言形容。他認為繪畫是一種冒險，必須在每次創作的時候經歷一次挑戰，沒有挑戰便不能成為藝術創作。對馬可魯而言，藝術創作實際上是一種不斷覆蓋的過程，對面前的偶然性效果進行覆蓋，進而産生一種新的偶然性。創作之前不要刻意地提醒自己要畫什麼、要怎麼畫，而是在畫的過程中根據畫面本身效果的指引，憑藉自己敏銳的感覺將創作進行下去。他希望自己的作品能夠成為第二自然，自己評感覺跟隨作品，打破一切的條條框框和程式。提到藝術家的生活狀態時，馬可魯提起了第1場沙龍時馬樹青曾經説過的觀點：藝術家不願意讓人看到自己偷懶。馬可魯認為藝術家花大量時間在偷懶和看畫，雖然看似無用，但實際上這是一種下意識的藝術感悟，其重要性並不遜於繪畫的過程本身。
馮良鴻：不確定才是最好的狀態
與梁好的觀點相倣，馮良鴻也認為不確定才是最好的創作狀態。在作畫時，應該去除一切功利性和目的性的心理，這些只能破壞繪畫過程的不確定性和偶然性。他認為繪畫的出發點是很重要的，如果去除掉所有的功利心和目的心還能繼續畫畫，那才是真正的繪畫人生。結合馬可魯談到的藝術家偷懶的問題，他認為一個藝術家真正重要的是他的藝術時間，所謂的藝術時間就是真正投入到藝術中的時間。有時候雖然看似是在畫畫，但是心境可能未曾真正融入繪畫的狀態中，這就不是真正的藝術時間了。一個藝術家的生命狀態對於他的藝術來説至關重要，繪畫和雕塑跟語言及文字不同，是絕對騙不了人的，一件藝術品可以直接的反映創作者的心性和生命狀態。這就需要藝術家有好的“藝術出發點”，真正在藝術創作中體會一種快感，同時不斷修煉自身的品性，以提高自己的精神境界。
李木：繪畫須有一種對偶然性的期待
“凡是能夠用語言和文字表達的東西，都不必用繪畫表現。”談話中李木用準確而明晰的語言表達著自己的藝術觀點。結合自己的創作經驗，李木談起了自己曾經有過的藝術疑惑：到底是先想好了再畫，還是畫好了再想呢？他毅然地選擇了後者，因為後者有著更多的變化性，如果想好了再畫便意味著藝術家在依靠經驗畫畫，由於沒有任何挑戰性，所以這不是真正意義上的藝術創作，對李木來説至少是邊畫便思考，而不是想好了再畫。他認為藝術是唯一的超越民族的全世界母語，正是因為其中表達了某些不能言説而又共通的東西。要想表達這種共通的東西，藝術家就必須卸掉自己所有的藝術經驗以及功利心，排除一切理性和重復，單純地創造一種“沒有發生過的藝術”。
