回看經典 | 卡爾布勞斯菲爾德——“類型學攝影”的先驅

時間:2018-06-13 16:41:41 | 來源:色影無忌

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2001年,攝影書《自然界的藝術形式》(《Urformen der Kunst》)被《攝影史上重要的101本攝影集》(《The Book of 101 Books》)[1]評為20世紀最重要的攝影書之一。《自然界的藝術形式》是攝影藝術家卡爾布勞斯菲爾德(KarlBlossfeldt)在1928年出版的一本攝影畫冊——它收錄了卡爾布勞斯菲爾德的大部分攝影作品。對於大多數人來説,卡爾布勞斯菲爾德是一個比較陌生的名字,但筆者相信一提起“杜塞爾多夫學派”[2],所有學習攝影的人都不會陌生。

《自然界的藝術形式》的封面,1928年版

卡爾布勞斯菲爾德,1865年6月13日出生在德國中部的Schielo,他童年的大部分時間是在哈爾茨山脈中度過的,大自然的美麗風景給他留下了深刻印象。1881年,16歲的卡爾布勞斯菲爾德進入當地的Magdesprung鋼鐵廠學習鑄造工藝,這份工作持續了4年。1890年,他來到柏林的維也納藝術工商學校(Kunstgewerbeschule)開始學習藝術設計。因為沒有找到確切的資料,筆者猜測卡爾布勞斯菲爾德是在維也納藝術工商學校(Kunstgewerbeschule)學習期間掌握了相關的攝影知識和技巧。

《Nature study (chestnut) 》,卡爾布勞斯菲爾德,1890年

業餘的植物學家

1890年,卡爾布勞斯菲爾德在Kunstgewerbeschule獲得獎學金,依靠這筆獎學金,他去了義大利、希臘、埃及以及北美等地。在1890年—1896年期間,莫裏茨穆爾教授(Moritz Meurer)[3]聘請卡爾布勞斯菲爾德去義大利幫他拍攝植物標本。在長達6年的蒐集過程中,卡爾布勞斯菲爾德對大自然的植物進行了系統的了解,成為了一名業餘的植物學家,這為他後來的教學和拍攝植物肖像打下了基礎。

卡爾布勞斯菲爾德作品

卡爾布勞斯菲爾德作品

1898年他開始在柏林的皇家藝術學會和手工藝博物館(Royal Arts & Crafts Museum)教書,在教學過程中卡爾布勞斯菲爾德經常會用到一些植物作為教學範例,但是由於這些植物在學校的人造環境中(尤其是德國寒冷的冬天)很難存活,於是他就想利用攝影的方法來記錄和保存這些植物的影像(這些資訊筆者是由卡爾布勞斯菲爾德寫給Royal Arts & Crafts Museum董事會的信中了解得來)。

下面是卡爾布勞斯菲爾德的信件原文:

“I hereby respectfully submit to the director a collection of enlargements of plants. Some of the main subject teachers to whom these photographs have recently been shown have been positive in their comments and consider them suitable for lessons…

In many cases, these photographs were made by enlarging small details that students could not easily make out in evening light… I probably have more than a thousand of such photographs, from which, however I can only slowly make prints.

Because they are the fruit of years of work and considerable material sacrifice, I would very much welcome their being used in some way, either as inspirational material in individual classes, libraries, etc. for a wider audience and, above all, for all students… The sculptor…can only make profitable use of the smaller, simpler plants that grow wild.

There plants are a treasure trove of forms – one which is carelessly overlooked only because the scale of shapes fails to catch the eye and sometimes this makes the forms hard to identify. But that is precisely what these photographs are intended to do – to portray diminutive forms on a convenient scale and encourage students to pay them more attention…”

卡爾布勞斯菲爾德作品

由此卡爾布勞斯菲爾德開始了他長達近30年的植物圖鑒攝影歷程。

卡爾布勞斯菲爾德作品

卡爾布勞斯菲爾德作品

卡爾布勞斯菲爾德作品

卡爾布勞斯菲爾德作品

卡爾布勞斯菲爾德作品

卡爾布勞斯菲爾德作品

“類型學攝影”的先驅

在拍攝和整理植物影像的過程中,卡爾布勞斯菲爾德創造了一種新的攝影形式。他將採集到的植物標本放在一個淺灰色或者灰色的背景上,使用均勻的漫射光進行拍攝,形成一個個形式極簡、細節豐富的“植物肖像”。也許是少年時在鑄鐵工廠工作的經歷,卡爾布勞斯菲爾德的“植物肖像”具有一種鋼鐵雕塑般的味道,伊安傑夫裏(Ian Jeffrey)[5]這樣評論卡爾布勞斯菲爾德的攝影作品:“栗子、楓木嫩芽、蕨類植物、飛燕草和虎耳草的絨霜,它們是自然的,但是這些植物又被表現成自然本身的精鑄鐵製品,暗示著藝術與自然、人工製品和有機世界之間的緊密關係。它們同時也暗示了人類社會可以與自然和諧相處……”

對於自己照片的意義,卡爾布勞斯菲爾德是這樣表述的:“我(拍攝)的花朵應當對人們修復與自然的關係有所裨益。它們應該重新喚醒了自然的意義,並展現出自己豐富萬千的形態,提醒那些觀看它們的人——人應該為了自己,俯下身來,細細觀察自己身邊的植物世界。”

從1839年攝影發明以來,人們從未如此細緻的、耐心地觀察過自己身邊植物真正的樣子——除了他們的名字,人們對於他們的形態、結構、細節一無所知。卡爾布勞斯菲爾德創造的不僅僅是一種攝影的方式,更是創造了一種觀察方式和編輯方式,這對後來的德國攝影甚至世界攝影都産生了極為深刻的影響。我們從奧古斯都桑德(August Sander),貝歇夫婦等人的作品中明顯的感受到了卡爾布勞斯菲爾德的影子,所以筆者認為卡爾布勞斯菲爾德是“類型學攝影”的先驅,他將科學觀察、雕塑形式和超現實主義三者進行了融合,創造出了一種新的藝術風格——“新客觀主義”,這為現代攝影藝術的發展開拓出了一條全新的道路。

貝歇夫婦攝影作品

瓦爾特本雅明(Walter Benjamin)曾經用一大段的文字來評論卡爾布勞斯菲爾德:“因為對相機説話的大自然不同於對眼睛説話的大自然,兩者會有不同。首先是因照片中的空間不是人有意識地佈局,而是無意識所編造出來的。我們雖然能大概的描述人類如何行走,卻一點也不能分辨出人在一秒的瞬間所邁開步伐的正確姿態是怎樣的。然而,攝影卻有能力以放慢速度與放大細節的方法,展現出人瞬間行走的真正姿勢。也只有借助攝影,我們才能認識到無意識的視像,就如同心理分析使我們了解了無意識的衝動。醫學技術向來重視物質結構和細胞組織,而這方面的科學認知自始至終就與相機有著密切的關聯,這遠勝於那些發人憂思的風景和充滿靈性的肖像攝影。像世界的極微小之物——相當清晰也夠隱秘,足以在白日夢裏覓得棲蔭之地。現在這些微小之物通過攝影改變了尺寸,放大到容易表述的程度,這樣一來,科技與魔術之間的差異,顯然只是一種歷史性的變數而已。如此,布勞斯菲爾德讓木賊等植物變成古代的石柱樣式,蕨類植物猶如主教的權杖,栗實與櫟芽放大十倍後成了圖騰柱,而起毛草就像哥特風格的紋飾。”[6]

卡爾布勞斯菲爾德作品

在1921年,卡爾布勞斯菲爾德成為Royal Arts & Crafts Museum的一名教授,他不再局限于拍攝上課教學用的植物標本,他將身邊的花花草草作為觀察對象,把植物自然的生長、成熟、枯萎和死亡都忠實地記錄下來。

卡爾布勞斯菲爾德作品

卡爾布勞斯菲爾德作品

1926年,卡爾布勞斯菲爾德在柏林的Nierendorf畫廊舉辦了人生的第一次展覽,1928年他出版了自己的第一部攝影作品集《自然界的藝術形式》。不久之後他就成為了攝影界的明星,被人們譽為20世紀初最重要的攝影藝術家之一。1932年12月9日,卡爾布勞斯菲爾德在德國的小城Schielo因病去世。筆者認為卡爾布勞斯菲爾德一生為攝影藝術所做出的貢獻,不是簡單的攝影史所能概述的,我們對於他了解的越多,就會越感到敬畏,卡爾布勞斯菲爾德,作為德國現代攝影藝術的領軍人物,永遠是值得我們學習和懷念的。

註釋:

[1]《攝影史上重要的101本攝影集》,是2001年由英國 Roth Horowitz; Limited出版社出版的一本非常重要的攝影史類書籍,作者有:Andrew Roth,Vince Aletti,Richard Benson。

[2]20世紀80年代,德國的藝術家帶領了回歸具像以及表現繪畫的畫風,如藝術家Anseim Kiefer熱衷於專注地挖掘德國歷史,另一端則出現了新野獸派充滿強烈色彩以及極度主觀的創作。下一個時代則傾向較少的情感以及更客觀的方向,而攝影成為了藝術家們的主要媒介。此時,德國的杜塞爾多夫藝術學院成為了最重要的藝術學院之一。學院內的兩位老師Bernd與Hilla Becher灌輸給他們的學生系統化以及規則的創作方式,學生們如托馬斯魯夫(Thomas Ruff)、安德烈亞斯古爾斯基(Andreas Gursky)、坎迪德霍夫(Candida Höfer)等人共同組成了杜塞爾多夫學派。

[3]莫裏茨穆爾教授(Moritz Meurer,1839——1916),德國19世紀的藝術家,設計師。

[4]“F64小組”,F64小組這個由一群位於美國加州具有相同攝影理念的年輕攝影師組成的攝影小組。F64小組名字來自於當時鏡頭最小的光圈值,(由於大畫幅相機鏡頭像場比較大,所以能夠製造光圈最小為F64的鏡頭。意指用最小光圈獲得影像的最大景深,從而得到清晰範圍最大的照片),隱喻著衍生的涵義是力求作品具有最清晰的畫面與景深。這個小組對於攝影的純粹度要求甚高,追求畫面的精緻,但不贊同在底片曝光前後做多餘的處理,要求畫面的張力,不格放或裁切影像,不用光面像紙,這些對攝影者的技術與藝術都是很高的挑戰。這個小組內最有名的兩位大師也就是安塞爾亞當斯和愛德華韋斯頓,相信很多人對他們都不陌生。

[5]伊安傑夫裏(Ian Jeffrey),英國作家和藝術歷史學家。

[6]文章出自瓦爾特本雅明(Walter Benjamin)的《靈光消逝的年代》。

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