“刺痛與撫慰——譚平繪畫作品展”于2008年11月16日下午在北京今日美術館開幕。此次展覽匯集了譚平近五年來的重要藝術作品約五十幅，其中尤以2004年至2008年創作的作品為主，充分呈現了藝術家在抽象繪畫方面不懈的藝術探索以及近兩年在此領域藝術創作的新進展。據悉，展覽將展至2008年12月1日。

譚平作品展開幕現場

藝術探索歷程

自20世紀80年代在中央美術學院版畫係學習時，譚平就開始關注抽象藝術並進行了積極的嘗試。而1989年到1994年在德國長達五年的學習與生活對他在抽象藝術方面的認識和理解起到了極為重要的作用。他不僅有機會觀摩大量的抽象藝術原作，並且得以深入體會和感受這種藝術之所以産生的社會及文化背景。德國藝術中嚴謹理性的極簡主義抽象和充滿感情的表現主義抽象都對他的藝術創作産生了深刻的影響，使他在不斷深化地進行點、線、面藝術構成訓練的同時，又能夠擺脫僅僅是追求形式語言的初級探索階段，進入到抽象藝術的核心，即精神層面的揣摩與表達，並將這種藝術形式與中國人傳統的文化情懷彼此交織融合，從而逐漸形成自己的抽象藝術道路。回國之後，譚平一直以版畫為主要媒介進行抽象藝術的創作，自2003年開始創作油畫和丙烯繪畫，主要以細胞為題材。

藝術理念

在談到自己的繪畫作品時，譚平説道：“我的作品是從一個圓的基本圖形逐漸過渡與微觀的細胞相融合，在宏觀與微觀之間尋找確切的位置。圖像的形式從大的充滿空間的圓，漸漸分解成為游動的點，不斷游離于這種時間與空間的不確定的平衡中，通過色彩的一次次覆蓋，逐漸將表層的圖像隱到後面，最終消失于涌動之中，在平面艷麗的色彩後面，有另一個深度與層次，有著暗示與隱喻，意義與象徵。”

著名藝術批評家魯虹對他的藝術概念給予了一個很好的概括：“譚平在深入研究傳統文化與西方‘自動繪畫’的基礎上，機智地從中國書法強調時間因素的做法中，成功地發展出了自己獨特的藝術概念。這一藝術概念重視直覺與偶然因素的作用，追求繪畫的自然生長過程，講究畫筆的手勢、動作與筆觸表現出來的內在情感。由此，他也成功地開闢了屬於個人的藝術探索方向。”

譚平向來賓介紹自己的作品

抽象背後的具象

在他看來，他的抽象藝術並不是抽象的，而是“具象”的。一方面，這種藝術形式是基於一個基本的形象，他就是要讓這些最簡單的視覺剌激發展成複雜豐富的藝術聯想。另一方面，他的藝術不是從畫面審美或形式結構出發，而是來自非常具體的、此時此刻發生的事情，是為了表達他真正的親身體驗和感受，“可以有人的憂鬱，可以有生命的‘痛’”。

時空的深度

譚平認為，他的藝術是時間的藝術，藝術創作的過程遠遠大於最終的結果。幾乎每一幅畫他都要畫上十幾遍，新的圖形不斷覆蓋舊的圖形，每次面對畫面時，都是新的開始。北京大學美學與美育中心的彭峰教授在談到他的這種創作方法時説：“譚平之所以反覆覆蓋，除了在不斷試探、追究、尋找某種一時無法確定的狀態之外，還有一點考慮：他希望作品有自己的歷史，希望歷史的累積能夠在畫面上造成一種獨特的深度。”“譚平作品中的深度是一種實際的深度，既體現在時間上，也體現在空間上。就空間上來説，譚平的每次覆蓋都會保留一些前一狀態的痕跡，都會留下某些東西不被覆蓋，在貌似平整的畫面上形成一種凹凸，形成一種空間上的疊加的深度，一種不僅可以看見而且可以觸摸的深度。鋻於每次覆蓋都是在不同的時間裏完成的，畫面上的空間深度實際上也是歷史深度。如果説譚平的每次覆蓋都是他在每個時間點上的真實感受的體現的話，那麼一幅多次覆蓋的畫面就累積了他眾多的真實感受，就是他在時間中變幻的生命狀態的記錄。”

彭峰教授進一步指出：“譚平的繪畫過程有助於我們理解人生，尤其是理解人生中某些非常重要又易遭忽視的因素。譚平在作畫之前對於後面的結果並沒有想好，那些最初灑落在畫布上的顏色和形狀是“被拋”出來的，如同人的出生。隨後，這些最初的顏色和形狀開始生長，它們可以預示後一階段的發展趨勢，但無法決定隨後會成為什麼樣子。譚平的每次覆蓋，都是作品‘生命’中的重要階段。這些都與人生非常相似。”

著名藝術批評家易英對此也評論説：“在巨大的畫幅上，先前的符號只留下一點可有可無的痕跡，在一定距離之外這些痕跡都看不見，這些痕跡作為作品的延續性並不為了記憶，而是要從視覺的張力過渡到觀念，並在觀念的作用下創造新的形式。覆蓋後從底子上顯現的痕跡改變了原有符號的性質，它如同記憶與現實的關係，現實的積累逐漸把記憶的符號推向生命的深處，有些符號在現實的啟動下會浮現出來，有些則會永遠深埋。這種偶然性為他實現純粹的平面或抽象帶來啟示。”

譚平向葉錦添介紹自己的作品

當代抽象與中國傳統

雖然在西方式的藝術教育體系中成長起來，並在德國留學多年，但是譚平對於中國傳統藝術十分熱愛，中國古代書法、山水畫、文人畫都是他研究學習的對象。對於自己藝術作品的“中國特色”，譚平並不追求顯而易見的“中國符號”，而是關注作品整體的中國精神與氣質。“單獨看你的東西的時候，不會想到這是一個中國藝術家的作品。但是一旦放到一個國際的環境中，別人就會感到這是中國人的作品。”這是他堅持的態度。魯虹在談到自己觀看譚平作品感受時，也就這個方面發表了自己的看法：“我觀譚平的畫有兩點很深的體會：第一感到他是將中國古代文人的藝術追求與情致當代化、油畫化了，而這一點就是放在中國抽象繪畫發展的歷史進程中看，也是極其有意義的。因為這不僅使中國當代抽象繪畫與傳統文脈有了很緊密的聯繫，而且使中國當代抽象繪畫與國外同類繪畫進行對話時，有了明確的身份感；第二感到他的藝術成就主要是來自於對東西方文化的比較學習。藝術家譚平給中國當代藝術家的重要啟示是：創造具有中國特點的當代藝術，一定要超越東西方二元對立的價值模式。即一方面要大膽學習西方藝術中有價值的東西；另一方面還要努力從傳統中尋求具有現當代因素的東西。而這一切只有在多元文化的碰撞與交融中才可以做到。”

抽象性與社會性的聯繫

譚平曾在訪談中説道：“好的藝術家既關注自己的內心真實、細膩、敏感的體驗，同時他也能把自己的內心體驗與當下整個社會的問題同步呼應起來。我的作品，就是此時此刻生活中的感受，同時也是今天中國以及世界所關心的問題，而不只是表現抽象的形式，或是在觀念藝術之後復歸抽象藝術的問題。"他的這句話在強調其抽象藝術創作的內在內容的同時，也表明瞭他的作品與社會現實之間的關聯。對此，中國美術館館長范迪安在他對譚平的評論文章中有所總結：“我覺得他解決了‘抽象藝術’的兩個問題：一個是跟社會性發生聯繫。使‘抽象性’和‘社會性’之間建立關聯；第二個是他自己的創作狀態獲得了一種自足。任何‘抽象藝術’説到底都是有心理自動化的特徵，是潛意識和無意識的創造，在中國畫家這裡更有體會，因為中國自身繪畫傳統中就有解衣磅薄、逸筆草草等傳統。作為一種遺産傳到今天，譚平的繪畫首先是有社會內容的抽象形態，他對今日現代城市的發展導致的生態環境問題投以關注，在抽象的結構中隱含了某些象徵符號，這就有了一種當代藝術的社會性，在此基礎上他達到順暢表達的快慰。”